Arizona Baby - Second To None

01. Shiralee
02. The Truth
03. Ouch!
04. Runaway
05. A Tale of the West
06. Ballad of A.
07. Getaway
08. Dirge
09. Muddy River
10. Xed Out

Arizona Baby es un grupo vallisoletano formado en 2003. Tras publicar su primer álbum, ‘Songs to Sing Along’, en 2005, la banda se trasladó a Londres. Arizona Baby se convirtieron en habituales en los principales puntos de la escena londinense y participaron en el Pelekas Street Beat Festival en Grecia. Tras ser votado como el mejor grupo de Castilla y León en Norterrock 2007, Arizona Baby han grabado un nuevo disco en el Puerto de Santamaría, Cádiz. Producido por Paco Loco y masterizado en The Vault Mastering Studios de Nueva York por Nathan James, este puede ser uno de los grandes discos de la temporada 2009 / 2010. Arizona Baby están actuando regularmente con Chema Rey DJ (Bulevar, Radio 3) por la península hasta que se confirme la fecha de lanzamiento de su nuevo disco.











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Anja Garbarek - Smiling and Waving

:: Her Room
:: Gown, The
:: Spin The Context
:: Stay Tuned
:: You Know
:: Big Mouth
:: Diver, The
:: Thats All
:: And Then
:: It Seems We Talk

Anja Garbarek es una de las mejores voces de la música noruega. A la vanguardia absoluta, ha desarrollado un corta aún pero intensa carrera. Su disco más completo se titula ‘Briefly Shaking’, aunque este Smiling And Waving, no se queda atras.













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Bat For Lashes - Fur And Gold

01. Horse And I
02. Trophy
03. Tahiti
04. What's a Girl To Do?
05. Sad Eyes
06. The Wizard
07. Prescilla
08. Bat's Mouth
09. Seal Jubilee
10. Sarah
11. I Saw A Light

Bat for Lashes proviene de la imaginación y talento de Natasha Khan (nacida el 25 de octubre de 1979), quien se graduó en Música y Artes Visuales. Su niñez la pasó viajando por el mundo, debido a que su padre (pakistaní) es un reputado jugador de squash. Después del divorcio de sus padres, cuando ella tenía 11 años, Natasha no volvió a tener contacto alguno con su familia paterna.

Bat for Lashes tuvo varios componentes: Natasha Khan, Abi Fry, Caroline Weeks y Lizzy Carey.
En octubre de 2007 Natasha Khan decide presentar su proyecto como solista, despidiendo formalmente a sus compañeras.

La combinación de un estilo similar al de Björk, el misticismo del lejano oriente, algunos acercamientos a la agudeza musical y lírica de Tori Amos y una pizca de oscuridad y sensualidad hace de Bat for Lashes uno de los proyectos más ambiciosos en la actualidad. Natasha toca diversos instrumentos entre ellos: bajo, piano y clavicordio.

Editó su primer sencillo «The Wizard» ella misma, bajo el sello She Bear Records. Posteriormente firmó con Echo, con quién lanzó su disco debut Fur and Gold el 11 de septiembre de 2006. Al respecto del título, Natasha comenta que es la combinación de cosas que a simple vista parecen irreconciliables (representaciones simbólicas). Para ella el pelaje representa lo salvaje, el lado animal y oscuro; mientras que el oro es la feminidad, el misticismo y el glamour. En este disco, Khan denota sus influencias, pero las adapta a sus necesidades y experiencias propias. En cuanto a las letras, sus historias son como cuentos de hadas que combinan misterio y feminismo.

El video de «What’s A Girl To Do?» es considerado uno de los mejores videos del año 2007, fue dirigido por Dougal Wilson.













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PJ. Harvey - Dry (1992)

1. - Oh my lover (4:02)
2. - O stella (2:32)
3. - Dress (3:18)
4. - Victory (3:15)
5. - Happy and bleeding (4:51)
6. - Sheela-na-gig (3:10)
7. - Hair (3:46)
8. - Joe (2:33)
9. - Plants and rags (4:09)
10. - Fountain (3:53)
11. - Water (4:32)

Polly Jean Harvey (n. 9 de octubre de 1969, Yeovil, Inglaterra[1] ) es una cantautora inglesa. Criada en Corscombe, Dorset, Inglaterra, Harvey formó una banda epónima de adolescente con el batería Rob Ellis y el bajista Ian Olliver, quien fue reemplazado por Steve Vaughan. El trío lanzó su primer álbum Dry en 1992. Ellis y Vaughan dejaron la banda luego del lanzamiento de Rid of Me (1993), y Harvey continuó como solista.

Harvey es una artista muy reconocida; entre los premios que ha recibido se encuentran el Mercury Music Prize de 2001, siete nominaciones de los Brit Awards, cinco nominaciones para el Premio Grammy y otras dos nominaciones para el Mercury Music Prize. Rolling Stone la nombró Mejor Nueva Artista y Mejor Cantautora de 1992 y Artista del Año de 1995, y colocó dos de sus álbumes en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. En el 2002 fue elegida como la artista de rock femenina número uno en una encuesta a los lectores de la revista Q.


















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The Mars Volta - De Loused In The Comatorium (2003)

1. Son et Lumiere (1:35)
2. Inertiatic ESP (4:24)
3. Roulette Dares (The Haunt of) (7:31)
4. Tira Me a las Arañas (1:29)
5. Drunkship of Lanterns (6:20)
6. Eriatarka (7:06)
7. Cicatriz ESP (12:29)
8. This Apparatus Must Be Unearthed (4:58)
9. Televators (6:19)
10. Take the Veil Cerpin Taxt (8:42)

The Mars Volta es un grupo de rock estadounidense de El Paso, Texas, fundado por Cedric Bixler Zavala y Omar A. Rodriguez-Lopez. Generalmente se les clasifica dentro del rock progresivo experimental. Son conocidos por sus conciertos en vivo, salvajes y enérgicos, altamente improvisados y la presencia de letras crípticas.

Nacida de las cenizas de la banda de post-hardcore At The Drive-In y del grupo de Dub Instrumental llamado De Facto , los integrantes iniciales de The Mars Volta fueron Omar Rodríguez-López (Guitarra), Cedric Bixler-Zavala (voz), Jeremy Ward (teclados y ambientes), Juan Alderete (bajista), Jon Theodore (batería) e Ikey Owens (teclados). Clasificarlos dentro de un género o estilo musical resulta tan difícil, que incluso ellos mismos no se preocupan por hacerlo, TMV (The Mars Volta) se transforman así en pioneros de una nueva estructura musical.

Comenzaron con el EP de 3 canciones ‘Tremulant’, de las las cuales se destaca Concertina.

De-Loused in the Comatorium

Tras el Tremulant EP y el fallecimiento de Jeremy Ward, The Mars Volta dedicó su tiempo a ir de gira y a realizar diferentes cambios en su formación mientras preparaban lo que sería el De-Loused in the Comatorium, producido por Rick Rubin y Omar A. Rodriguez Lopez. Mientras que Tremulant no tenia un corte de difusión (salvo la profética mención del que sería su próximo album),el disco De-Loused fue un trabajo uniforme, un disco conceptual que contenía una especulativa ficción que narraba la historia en primera persona de un coma inducido a causa de las drogas. A pesar intrigantes y complejas liricas, The Mars Volta, afirmó en las correspondientes entrevistas que el protagonista de este álbum es un personaje basado en su difunto amigo Julio Venegas o «Cerpin Taxt», como es citado en la historia, que permaneció muchos años en coma antes de su despertar, después del cual saltó desde un puente en la ciudad de El Paso. La muerte de Venegas es también referida en la canción titulada «Embroglio» de At the Drive-In del album » Acrobatic Tenement».

Además este disco incluye importantes colaboraciones como las de Flea y John Frusciante de los Red Hot Chili Peppers. Gracias al disco obtuvieron buenas críticas de la prensa especializada incluso denominándoles como el Grupo Revelación del año




















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10.000 Things - 10.000 Things

1. Self Destruct
2. Titanium
3. Can't Do Nothing
4. Loverboy
5. No Pain No Gain
6. Watching
7. Hey Snake!
8. Dogsbody
9. Sunken Ship
10. Eatin's Not Cheatin
11. Wishful Thinking
12. Night Of The

Antes de encarnar a Ian Curtis en Control (2007), SamRiley era un perfecto desconocido. O casi. Su nombre aparecía en los créditos de 24 Hour Party People (2002), donde personificó a otro mítico del rock inglés: Mark E. Smith (de The Fall). Y claro, también tenía una banda medianamente conocida en Inglaterra, llamada 10.000 Things.

En abril del 2005, junto a su hermano George y otros tres amigos de Leeds, editaron su disco homónimo, a través de Fiction/Polydor Records. Y mal no les fue. Gracias a la tribuna concedida por la NME y la BBC, llegaron a estar terceros en los charts ingleses (gracias al single “Dogsbody“). Todo iba viento en popa hasta que, en septiembre del mismo año, fueron despedidos del sello. Meses después, Riley dejaba la banda para dedicarse por completo a la filmación de Control.

A los 10.000 Things los relacionaron con los New York Dolls, principalmente por la voz de Riley (a ratos parecida a la de David Johansen). Ellos, no conformes con esa comparación, declararon su devoción por números tan disimiles como Devo, Little Richard, Gang of Four y Rage Against the Machine.

Sobre la actualidad y futuro de 10.000 Things, no se sabe demasiado. Su sitio web es un tributo a los 90’s y Sam Riley se radicó en Berlín, dónde vive junto a su novia, Alexandra Maria Lara. La misma que interpretó en Control a Annik Honoré, la periodista belga que enamoró a Ian Curtis.










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Fleet Foxes - Fleet Foxes (Special Edition 2Cd´s)

Disc 1 (39:23)
1.01 Sun It Rises (3:11)
1.02 White Winter Hymnal (2:27)
1.03 Ragged Wood (5:07)
1.04 Tiger Mountain Peasant Song (3:29)
1.05 Quiet Houses (3:32)
1.06 He Doesn't Know Why (3:20)
1.07 Heard Them Stirring (3:02)
1.08 Your Protector (4:10)
1.09 Meadowlarks (3:12)
1.10 Blue Ridge Mountains (4:26)
1.11 Oliver James (3:24)
Bonus Disc (17:59)
2.01 Sun Giant (2:15)
2.02 Drops In The River (4:14)
2.03 English House (4:42)
2.04 Mykonos (Alternative Version) (3:39)
2.05 Isles (3:06)

Hace algunos años, ciertos periodistas y miembros del medio musical se inventaron el término “nuevo movimiento acústico” para definir a una serie de artistas que estaban surgiendo en ese momento y que aparentemente tenían en común el uso de la guitarra acústica como instrumento predominante.

Aunque la mayoría de los artistas involucrados se burlaron de la etiqueta, ésta sí sirvió para marcar el surgimiento de una nueva camada de artistas que retomaron el folk como parte de su sonido, aportando un toque armónico a las listas de éxitos que en ese momento estaban tomadas por el rock rápido y rasposo.

Casi una década ha pasado y desde entonces este dichoso “movimiento” ha muerto, pero la idea sigue viva: crear un sonido orgánico basado en el folk y clásicos sesenteros con la guitarra acústica y la voz como instrumentos principales. Y ésta podría ser la definición del primer disco de Fleet Foxes, un conjunto originario de Seattle cuyo asombroso álbum homónimo debut ha venido a demostrar que no se tiene que cantar fuerte para ser escuchado.

Con influencias de Neil Young e incluso un poco de Led Zeppelin en la mezcla, las canciones de este quinteto remiten a escenas campiranas de profunda belleza y fotografías de lugares idílicos, proporcionando un escape al ajetreado ritmo de vida a través de armonías vocales e instrumentos como la flauta, la guitarra acústica y eléctrica, la batería y el piano.

Las letras de Fleet Foxes hablan de la naturaleza, la vida, la muerte. No son grandes historias, sólo el relato de pequeños instantes que al fin y al cabo son los que cuentan. Como en “White Winter Hymnal”, uno de los mejores temas del disco en el que el ritmo es llevado por el tambor cual poderoso corazón, hasta que al final se para, anunciando a la muerte siempre inesperada.

O “Ragged Wood”, otro track sobresaliente en el que la añoranza primero es anhelante y al final resulta triste. Lo inexplicable de la vida aparece en “He Doesn´t Know Why”, la muerte trágica en “Your Protector”.

El grupo suena a veces sabio como en “Blue Ridge Mountains” y “Meadowlarks”, a veces triste como en “Oliver James” o simplemente observador como en “Sun it Rises”. También hay espacio para momentos tranquilos como en “Tiger Mountain Peasant Song”, una de las canciones que menos me gustaron del disco o la pacífica “Quiet Houses”.

Incluso hay un poco de espacio para la experimentación como en “Heard Them Stirring”, en donde el grupo abandona todo intento de canto para limitarse a brindar un respiro a través de sus armonías vocales, hipnotizando al escucha.

El resultado en general es un disco clásico aunque realmente no muy fácil de digerir. Requiere paciencia y un gusto por el pop/folk acústico pero ofrece una gran recompensa. Una vez que se ha pasado ese primer momento desconcertante, crece a pasos desorbitados para convertirse en un innegable favorito.

Fleet Foxes han logrado acuñar un sonido propio, inventivo, refrescante y vivo que conquista de a poco pero para siempre. No parecen tener vergüenza, ni miedo a desafiarse a si mismos o desafiar tendencias. Y el resultado, sin duda, es espectacular.

Fuente: Cuchara Sonica


















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Ben Borthers - Beta Male Fairytales

1. Rise
2. Beauty Queen
3. Let Me Out
4. Carry On
5. Find Me An Angel
6. I Am Who I Am
7. Home
8. Bad Dream
9. Live
10. God By Another Name
11. Harmonica In F (Interlude)
12. Time
13. Kiss Me Again (Stuttering)

Ben’s Brother es una desconocida banda de Londres liderada por Jamie Hartman que acaba de debutar con un a priori fenomenal disco. Recalcamos el a priori porque el quinteto suena como un cruce imposible entre Rod Stewart, esa voz del comienzo del álbum en Rise, single de adelanto, muy próxima a la del escocés, o la de Live, y James Blunt, esas baladas con piano muy soul como Bad dream o God by another name y esos medios tiempos como Let me out.





















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The Soft Pack - The Soft Pack (2010)

1. C'mon
2. Down on Loving
3. Answer to Yourself
4. Move Along
5. Pull Out
6. More or Less
7. Tides of Time
8. Flammable
9. Mexico
10. Parasites

The Soft Pack es de esas bandas que logran generar un fenómeno realmente genial: hacerse famosos sin siquiera lanzar un disco. el disco debut fue lanzado el primer día de febrero.

La producción se llama de la misma forma que el grupo y fue grabado junto a Eli Janney en Nueva York, quien forma parte del grupo Girls Agains Boys.

El guitarrista de la banda, llamado Matty McLoughlin estuvo dando una entrevista a la gente de NME y comentó que Eli fue una productora genial porque sabe muchísimo del punk que under de DC pero que también tiene conocimientos sobre pop porque está actualmente en una banda que tiene ese estilo.
















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John Frusciante - Shadows Collide With People (2004)

1."Carvel" – 6:15
2."Omission" (Frusciante, Klinghoffer) – 4:33
3."Regret" – 2:58
4."Ricky" – 3:57
5."Second Walk" – 1:42
6."Every Person" – 2:38
7."–00Ghost27" (Frusciante, Klinghoffer) – 3:50
8."Wednesday's Song" – 3:31
9."This Cold" – 2:00
10."Failure33 Object" – 2:56
11."Song to Sing When I'm Lonely" – 3:16
12."Time Goes Back" – 3:23
13."In Relief" – 3:36
14."Water" – 4:06
15."Cut-Out" – 3:34
16."Chances" – 1:49
17."23 Go in to End" – 6:42
18."The Slaughter" – 3:53

Justo en una etapa en que los Red Hot Chili Peppers pasan su mayor (posiblemente única) sequía creativa, John Frusciante que paradójicamente parece tener mucho que ver en el nuevo sonido de la banda, nos sorprende con su cuarto disco de estudio, seguramente el mejor de su carrera. Y es que si las nuevas canciones del guitarrista no tienen ese carácter terminal de sus dos alucinógenos primeros discos, ganan mucho en brillantez pop dejando un poco de lado ejercicios de purificación y misticismo excéntrico que marcaron To Record Only Water For Ten Days.

Carvel comienza con arrullos y sonidos punzantes para pronto comenzar la voz de Frusciante a hacer coros con su típico sonido envolvente y lleno de ecos con guitarras simples y ribetes electrónicos y mezclando coros y estructuras típicas del pop clásico, con toques de los sintéticos ochenta, todo ello imbuido de cierta épica. A destacar algunos momentos especialmente rockeros donde la electrónica sustituye a los riffs de rigor. Es el single y gran exponente de lo que podemos encontrar en el disco.

Pero la pieza más excepcionalmente bella y llena de perfección del disco es en mi opinión Omission. Alternancia de la voz de Frusciante con la de su amigo Josh Klinghoffer (segundo hombre orquesta del disco) entre guitarras amables e inspirados coros para ver como la segunda voz se "punkeriza", cercana a registros como los de Courtney Love o Brody Dalle mientras una caja de ritmos acelera la composición. Todo arropado por teclados cálidos y unas guitarras muy reconocibles de la última etapa Frusciante, emparentadas puntualmente con Californication, la canción.

Así seguimos con un largo disco en emociones y canciones sin embargo radiables, como el pop clásico y tierno de Ricky, la directa y rockera Second Walk, el aire latino de Wednesday Song, las guitarras bailables de This Cold, el intimismo apacible de Song To Sing When I’m Lonely, las reverberaciones vocales y arreglos de cuerda en la melancólica Regret o halos electrónicos que envuelven melodías de sabor añejo como The Slaughter que cierra el disco... todo imbuido de un cierto sentimiento agridulce.

Total que, por mencionar unos temas, casi más al azar que otra cosa, dado lo coherente del disco en su totalidad, Time Goes Back que juega con ese sentimiento de calma resacosa, con cierta épica y ecos de los ochenta y es que "el tiempo va hacia atrás" en lo que podría ser un megahit radiofónico estilo David Gray. Cut Out es uno de esos ejercicios tristones con Frusciante solo frente a su guitarra, donde los ribetes electrónicos son accesorios y enriquecen enormemente pero no ejercen de base. Otro tema de los más "normales" en cuanto a que al menos la batería tiene bastante protagonismo. Chances recuerda irremediablemente a unos Beach Boys con ecos sintéticos. Pop delicioso, coros y ecos de diferente signo e incluso orquestaciones electrónicas de la mano del inefable Charlie Clouser.

Por el lado de la electrónica atmosférica pura y dura, tenemos tres cortes cuya nomenclatura numérica es el nexo. Desde la experimental y ruidista 00-00 Ghost 27 que en cierto modo evoca un sentimiento operístico, hasta 23 Goes to the End, repleta de "sombras" palpitantes que son arrastradas por el cielo en medio de una tormenta eléctrica o por la brisa del océano. Más pretendidamente chillona es la marciana Failure 33 Object, donde entramos en espirales sintéticas dignas de las bases más espaciales que hayan usado Muse, siempre con Pink Floyd en mente. Juguetea con esa base, la hace pasar desde sugerente a irritante. En cierto modo es un ejercicio de violencia sonora intercalado entre tanta cándida pieza pop.

Tenemos otro tipo de temas que enlazan las dos facetas del disco. Hablamos temas que comienzan con ejercicios de minimalismo electrónico, en ocasiones dignos de los Radiohead de la época Amnesiac, como Everyperson o In Relief, este último con cierto toque soul. Pero sin duda Water se lleva aquí la palma siendo otro de los más redondos temas del disco y es que tras unos segundos de ruidos inquietantes al más puro estilo Eraserhead comienza un estribillo soleado con falsetes, que pronto se revela a su vez como la veta más funkie del disco y posiblemente la más apta para tocar con su banda madre. Muchas canciones en una, pero una incontestable.

Shadows Collide With People no es un producto dedicado a fans de los Peppers. A diferencia de otros proyectos paralelos, la carrera en solitario de Frusciante busca en el interior del artista. Y esta vez parece que Frusciante ha dejado su pasado turbulento para poner un pie (solo uno) en la tierra. La evolución a nivel compositiva es patente y ya no busca tanto la estridencia sino que más bien se ensimisma en una búsqueda de la perfección de melodías pop-rock, eso si, a su manera, combinando las luces con las sombras, que le aportan los sintetizadores de los cuales sigue haciendo buen uso.

Si hablamos de influencias, por el disco planean desde Beatles a The Cure pasando por Dylan, Kinks, Doors, Beach Boys o Pink Floyd y aún así todas las canciones son de autor y ejecutante claramente reconocible a primera escucha. Y es que hay sitio para mucho en un disco de 18 temas y 65 minutos de duración. Minutaje, todo hay que decirlo, un poco excesivo ya que la propuesta es tan personal que puede por larga hacernos caer en el aburrimiento sin necesidad de que la calidad del disco decaiga hacia el final.

Fuente: Feticeira













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The Brothers Movement - The Brothers Movement (2010=

01 - Blind
02 - Standing Still
03 - Sister
04 - Someday
05 - The Salute
06 - Coming Home
07 - War And Peace
08 - Is God Dead
09 - When We Leave
10 - We Shall Lift Our Heads

Muchas veces las cosas no son lo que parecen. Sin ir más lejos, este disco: la apariencia visual (sobre todo la contraportada) y sonora (a los primeros temas del disco me remito) nos hace pensar que estamos ante un trabajo inédito de Black Rebel Motorcycle Club. Sin embargo, las apariencias engañan una vez más: este es el debut de unos irlandeses que se hacen llamar The Brothers Movement.

Aunque yo sigo manteniendo una pequeña duda; en cualquier momento se quitan las máscaras, aparecen Peter Hayes y compañía y nos quedamos todos con el culo al aire. Hasta entonces podemos seguir hablando de BRMC en términos de “influencias muy marcadas” o “claras referencias”; así lo justifica un inicio de disco que, con “Blind”, “Standing still” y “Sister”, clava casi a la perfección lo que sería un LP de rarezas con la versión más floja de los de San Francisco.

A partir de entonces, y aunque el parecido vocal sigue revelándose como asombroso, la genética británica de The Brothers Movement sale a la palestra, y en temas como “Someday” o “Is God dead” se puede empezar a hablar de cierta independencia. A pesar de todo, y aunque estamos ante un siempre complicado debut, uno acaba con ganas de ponerse un disco de BRMC e, injustamente, restándole importancia a un disco aceptable (incluso con algún tema notable).

Fuente: Musikalia



















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Starsailor - All The Plans (2009)

Tell Me It's Not OVer
Boy In Waiting
The Thames
All The Plans
Neon Sky
You Never Get What You Deserve
Hurts Too Much
Stars and Stripes
Change My Mind
Listen Up
Safe At Home

Hace algunos días me dijeron que las nuevas generaciones no entienden la influencia que bandas como Elbow y Starsailor tienen en bandas que ahora caben dentro de lo indiehipster (lo que sea que eso signifique, musicalmente hablando), misteriosamente ese mismo día pero más tarde llegó a mis manos el All The Plans, más reciente material discográfico de Starsailor. No sé si el comentario que me habían hecho previamente influyó al momento de la escucha pero me encontré con un Starsailor que en verdad muestra porque es una gran influencia para muchos de los sonidos actuales. Muy alejado de “Silence is Easy” y “Fever”. El primer sencillo de este, su cuarto disco, “Tell Me It’s Not Over” suena a la voz de James Walsh con el ruido ordenado de James Stelfox, Barry Westhead y Ben Byrne, a la melancolía que siempre traen sus canciones y que recuerdan a los Charlatans, pero también un sonido nuevo que no cabe entre los Cut Copy ni M.I.A. del momento, que no recuerda al nuevo brit pop pero que refleja el momento de más rock en la carrera de Starsailor. Bajo la producción de Steve Osborne y el cobijo de Virgin Records, subsello de EMI, All The Plans promete muy buenos sencillos.

Fuente: Me Hace Ruido




















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Biffy Clyro Only_Revolutions (2009)

01 - The Captain
02 - That Golden Rule
03 - Bubbles
04 - God & Satan
05 - Born On A Horse
06 - Mountains
07 - Shock Shock
08 - Many Of Horror
09 - Booooom, Blast & Ruin
10 - Cloud Of Stink
11 - Know Your Quarry
12 - Whorses

Si en 2006 The Killers fueron los reyes en el panorama internacional con el bizarro y cabaretero `Sam’s Town´, en 2007 fueron Biffy Clyro quienes dieron el golpe encima de la mesa con el magnífico y por momentos enrevesado `Puzzle´. Este disco, marcado por la muerte de la madre de Neil Simon -cantante, guitarrista y líder del grupo– significó un punto de inflexión en la carrera de la banda escocesa, llevándoles a tocar incluso con Sus Satánicas Majestades y poniéndolos por derecho propio en primera fila del mapa

musical. ¿Y por qué nombrar aquí a The Killers? Porque estos son el mejor ejemplo de cómo una gran banda después de una obra maestra –el citado `Sam’s Town´- es arrastrada por los cantos de sirena del mercado discográfico y acaba pariendo un disco de ventas millonarias y canciones ridículas. ¿Podría pasarle lo mismo a Biffy Clyro? Lo cierto es que es imposible dudar de la calidad del trío –completado por los hermanos Ben y James Johnston a la batería y bajo- y más después de un inicio con The Captain, That Golden RuleQueens of The Stone Age- y Bubbles –power pop en la mejor tradición de los Clyro y con aparición en la parte final del tema por parte de Josh Homme, líder de los Queens-. Esto sólo está reservado a los más grandes, y estos tipos lo son. Pero hay matices a tener en cuenta. Canciones como God & Satan o Shock Shock, que se presentan envueltas en goloso envoltorio, resultan insulsas y carentes de garra, que no de gancho comercial, lo que en general ocurre con `Only Revolutions´. El ya quinto disco de la banda está repleto de temas directos pero en ciertos momentos excesivamente lineales, y más si comparamos con su pasado reciente -¿alguien no ha escuchado aún Infinity Land?-. Quizás haya influido que el disco fuese grabado en Hollywood, lejos de la oscuridad de tierras escocesas, pero lo que podría haber sido el mejor disco de 2009 -con permiso de Them Crooked Vultures- se queda sólo con la mejor canción: Mountains. Sin duda. –inquietante, atrevida y directa, heredera de los

Fuente: El Detonador

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Thom Yorke - The Eraser

01 The Eraser - 4:55
02. Analyse - 4:02
03. The Clock - 4:13
04. Black Swan - 4:49
05. Skip Divided - 3:35
06. Atoms for Peace - 5:13
07. And It Rained All Night - 4:15
08. Harrowdown Hill - 4:38
09. Cymbal Rush - 5:15

Debut como solista de este pequeño gran hombre llamado Thom(as) Yorke, líder de Radiohead inclinado en esta primera entrega hacia sus influencias más electrónicas, agitando un poco de Kraftwerk, bastante de Aphex Twin, una pizca de Bjork, del Bowie berlinés y, por supuesto, el poso lírico-ambiental de Radiohead, con lloriqueantes sonidos y textos introspectivo-taciturnos.

La emocional voz de Yorke, algún que otro texto pseudointelectual bien enfocado en sus símbolos y metáforas (pasaremos por alto lo del “corazón de alcachofa”) y el plausible valor de las melodías que aflora en varias escuchas, en ocasiones envolventes y ornadas por cuidadas texturas electrónicas, elevan a “The Eraser” de los ritmos monótonos y repetitivos y de un sentido sonoro propicio al hilo musical para la consulta del dentista, por otro lado una espera médica muy vinculada a la angustia propia de la lírica yorkeiana.

La consecución de ambientes melancólico-futuristas, en ocasiones claustrofóbicos con ubicaciones existenciales, subterfugios personales, relaciones amoroso-eliminatorias y plañideras expresiones sociales, configura el cimiento de unas canciones producidas por Nigel Godrich.


Aunque algunos cortes parecen frías demos configuradas con el acompañamiento de R2D2 y voces depresivas con el trasfondo del “Space Invaders”, en conjunto este álbum con portada de Staley Donwood no es desdeñable, en especial gracias a canciones como “Black Swan”, “Harrowdown Hill” o la propia “The Eraser”, con un mareado sample del piano de Johnny Greenwood, uno de sus compañeros en Radiohead.

Fuente Aloha PopRock














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The Bees - Sunshine Hit Me (2002)

1 Punchbag (3:41)
2 Angryman (4:08)
3 No Trophy (3:27)
4 Binnel Bay (2:58)
5 Sunshine (3:29)
6 Minha Menina (2:50)
7 This Town (2:59)
8 Sweet Like a Champion (4:28)
9 Lying in the Snow (3:54)
10 Zia (4:12)
11 Sky Holds the Sun (3:41)
12 You Got to Leave (5:12)


The Bees es una banda de Ventnor (de la Isla de Wight) en el Reino Unido, que desde el 2001 vienen variando elementos sonoros como el jazz, psicodelia, pop, folk, reggae, ritmos latinos, indie rock y bossanova.













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Sibylle Baier - Colour Green (2006)

01. Tonight
02. I Lost Something In The Hills
03. End, The
04. Softly
05. Remember The Day
06. Forget About
07. William
08. Says Elliott
09. Colour Green
10. Driving
11. Girl
12. Wim
13. Forgett
14. Give Me A Smile

Hace más de 30 años, entre 1970 y 1973, una cantante, costurera, pintora, actriz y bailarina alemana llamada Sibylle Baier, grabó de forma casera una serie de canciones junto a su guitarra y una máquina de grabación. Todas estas grabaciones quedaron guardadas por más de treinta años en su hogar, hasta que el hijo de Baier astutamente decidió enviar una copia de lo que había grabado su madre a J. Mascis, de Dinosaur Jr.

Ahora mas de tres décadas después las cálidas canciones compuestas por Baier son publicadas por el sello Orange Twin, con el fin de dar a conocer uno de los mejores secretos guardados del folk alemán. Y es que en éste álbum nombrado “Colour Green” los sentimientos, la nostalgia y las pequeñas tragedias de la vida diaria de Baier, son relatados de una forma dulce y reflexiva, al mejor estilo de grandes como Vashti Bunyan, Nick Drake, Nico, Leonard Cohen y Joni Mitchell.

Con tan sólo el sonido de su guitarra y su voz y con arreglos muy precisos, Baier aparece hoy para maravillarnos con un folk austero y de tonalidades sepia como el de la portada del disco.

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Links Arreglados

Bueno revisando los post anteriores vi que andubieron desaparecioendo muchos links, ya he arreglado unos cuantos y de a poco ire resubiendo los que faltan, gracias a todos aquellos que colaboran avisando de links rotos o demas errores.

Spon - Transference
El Viento Enloquece a La Gente - Del Panico Valle
The Clash - London Calling
The Married Monk - The Belgian Kick
Iain Archer - Magnetic North
Chris Bell - I´m The Cosmos
Wiretree - Luck
Stereophonics - Keep Calm And Carry On
Elefant - Sunlight Makes Me Paranoid
Amiina - AnimaminA
Brett Anderson - Slow Attack
Teenage Fanclub - Bandwagonesque
Don Caballero - Punkgasm
Rick Wakeman - Journey To The Centre Of The Earth
Weezer - Raditude
Richard Hawley - Truelover´s Gutter
Echo & The Bunnymen - Nothing Las Forever
Chemical Brothers - Surrender
VA - Ciao My Shining Star The Songs of Mark Mulcahy
Lush - Gala
Laura Gibson - Best Of Season
Jad Fair & Teenage Fanclub - Words Of Wisdon And Hope
Ian Brown - My way
Morrissey - Swords
The Flaming Lips - Embryonic
Lloyd Cole - Easy Pieces
Micah P. Hinson - All Dresed Up And Smelling Of Strangers
Mika - The Boy Who Knew To Much
Sondre Lerche - Heartbeat Radio
Mando Diao - Give Me Fire
Artic Monkeys - Humbug
Mando Diao - Ode To Ochrasy
Morrissey - Ringleader Of The Tormentors
Brakes - Touchdown
The Little Ones - Morning Tide
Matthew Sweet - 100% Fun
1990´s - Kicks
Emmy The Great - First Love
Ally Kerr - Alling Out To You
Blur - Parklife
The Von Bondies- Love, Terror And Then Theres You
Molotov Jive - Songs For The Fallen Apart
One Night Only - Started A Fire
Lykke Li - Little Bit
Black Rebel Motorcycle Club - Black Rebel Motorcycle Club
Black Sabbath - Paranoid
Jeff Buuckley - Grace
Athlete - Tourist
Simon And Garfunkel - Bookends
Sofia - Search And Destroy
The Doors - Strange Days
The Left Banke - Pretty Ballerina
Keane - Perfect Symmetry
Los Campesinos - We Are Beautiful, We Are Doomed
Snow Patrol - A Hundred Millons Suns

Erland and the Carnival-St (2010)

01 - Love Is a Killing Thing
02 - My Name Is Carnival
03 - You Don’t Have to Be Lonely
04 - Trouble in Mind
05 - Tramps and Hawkers
06 - The Derby Ram
07 - Disturbed This Morning
08 - Was You Ever See
09 - The Sweeter the Girl the Harder I Fall
10 - Everything Came Too Easy
11 - One Morning Fair
12 - Gentle Gwen
13 - The Echoing Green


Nuevo grupo inglés que nos ha llamado la atención por sus maneras folk tradicionales conjugadas perfectamente con pop psicodélico del fresco y vitalista. Erland And The Carnival son Erland Cooper, guitarrista de origen orcadiano (descendiente de los vikingos nada menos) y un grupo formado por músicos nada principiantes como demuestran sus respectivos currículums: Simon Tong (militante en The Verve, Blur y The Good, The Bad & The Queen) y el percusionista/ingeniero de sonido David Nock (presente en trabajos de grupos como The Cult, The Orb e ingeniero de sonido en el último disco de The Fireman, el proyecto paralelo de Paul McCartney con Youth de Killing Joke). El line-up lo completan 3 músicos más que dotan al combo de un gran poderío instrumental con el que facturan un pop psicodélico muy inspirado en los 60 y muy influenciado por las raices del folk británico más tradicional (Bert Jansch, Davey Graham, The Pentagle etc). En palabras del propio Simon Tong el sonido de Erland And The Carnival vendría a ser una especie de ‘Pentangle meets Ennio Morricone meets Love meets 13th Floor Elevators meets Joe Meek‘. Gran debut. Disco ideal para los amantes del garage-fuzz y psicodelia con raices folk

Fuente: Scanner FM















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Lummu PerSch

Lummu PerSch son un grupo de Murcia, aun sin contrato discografico ni album grabado pero que estan trabajando duro por hacer conocer su arte y han compartido 2 de sus canciones con el sitio para que ustedes que son el soberano les de una chance. Su estilo mezcla de buena manera el pop de guitarras mas melodico con ciertos aires folk que quedan tan bien cantados por voces femeninas como en este caso.



















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Today



missing your winters

Ingrid Michaelson - Be OK

1. Be OK
2. Giving Up
3. Over the Rainbow
4. The Chain [Live from Webster Hall]
5. Lady in Spain
6. Keep Breathing
7. Oh What a Day
8. The Way I Am [Recorded Live on WERS]
9. Can't Help Falling in Love" [Recorded Live at Daytrotter]
10. You and I
11. Be OK" (Acoustic)


Ingrid Michaelson es una cantautora de Nueva York. Sus canciones pop suaves y melódicas han sido elegidas para series como Anatomía de Grey o One Tree Hill. Su sencillo EscucharThe Way I Am fue un éxito de descargas en iTunes. Y su canción Keep Breathing fue elegida para cerrar la tercera temporada de la serie Anatomía de Grey.















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Bicicletas - Quema (2009)

1- Quema
2- 11 y 20
3- Hoy
4- Araña Negra
5- Conversación
6- Pájaros
7- La Puerta
8- Cara de Rojo
9- Pica Pica
10- En tu cara
11- Escaleras
12 -Tren

Más canciones de locura, amor y muerte. Canciones de esas que buscan transformar el rock nacional del siglo XXI. A veces espaciales, a veces animales, Bicicletas sigue explorando la velocidad de la pista de baile y el vértigo del rock. Y la mejor prueba es “Quema”, su nuevo disco. Ellos lo definen así: “Un nuevo manifiesto estético que se desliza entre el surrealismo abstracto, onírico, y la rugosidad y brutalidad de la realidad”.

El disco fue producido artísticamente por Ignacio Valdez (tecladista de la banda), con la colaboración de Pablo Romero (Árbol) en las canciones “11 y 20” y “Pájaros”. Se gestó con la dinámica del show en vivo, pero sin dejar de lado las exploraciones sonoras. Suena rock, pero con condimentos de folk espacial, new wave y música electrónica.

“Quema”, el tema que abre y le da nombre al disco, es un rock filoso y directo. Le sigue “11 y 20”, el primer corte de difusión, un hit potencial montado en un ritmo intenso y veloz. El pulso baja para dar lugar al pop melancólico de “Hoy”. Aumenta la profusión de teclados.

Pero las guitarras nunca se apagan y conservan la furia para temas como “Araña Negra”. “Conversación” recupera el patrón acelerado, frontal y envolvente de los primeros temas. La metáfora toma vuelo en “Pájaros”, una canción hecha para conmover a los corazones heridos. “La Puerta”, en clave mid-tempo y con quiebre emotivo, abre camino hacia la psicodelia. “Cara de Rojo”, por su lado, se perfila como futuro single: una melodía netamente pop acorazada por un arsenal bien rockero. “Pica Pica” es una invitación al baile que nunca cede en intensidad. El espíritu punk cala hondo en “En Tu Cara”, mientras que “Escaleras” se muestra como una odisea dark destinada a musicalizar un film de Tarantino. El cierre llega con “Tren”: un retiro apacible y ensoñador, en dirección hacia esos lugares donde la luna tiene más brillo. Atención: hay track oculto (“El Gran Houdini”).














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Neu! - Neu! 3 (1975)

1. Isi
2. Seeland
3. Leb' Wohl
4. Hero
5. E-Musik
6. After Eight

Neu! (o NEU!) fue un dúo alemán de rock experimental formado por Michael Rother (guitarra) y Klaus Dinger (batería), que es frecuentemente considerado uno de los grupos más importantes e influyentes de la escena krautrock, junto con Cluster y los primeros discos de Kraftwerk se pueden considerar en la vanguardia germana a primeros de los 70 del s.XX. Neu! se destacó por su uso del ritmo «motorik» característico del krautrock y por sus melodías minimalistas.

El grupo se formó en 1971 en Düsseldorf, Alemania Occidental, cuando Dinger y Rother abandonaron Kraftwerk. El autotitulado álbum debut de Neu! fue editado en 1972 y fue el primero de tres lanzamientos del grupo tras los cuales el dúo se separó en 1975. Luego de la separación, ambos integrantes se dedicaron a otros proyectos (como Harmonia, La Düsseldorf y La! Neu?), pero volvieron a trabajar juntos a mediados de los años 80 en la grabación de Neu! 4, el cual se editó en 1995.

El primer disco, titulado simplemente «1», contiene bases claramente rockeras y utiliza instrumentos convencionales, principalmente guitarras y percusión. Seconstruyen capas de sonidos sobre las cuales van apareciendo esquemas electrónicos, partiendo casi todos los sonidos desde la guitarra eléctrica. Se abre el disco con «Hallogallo», tema que abunda en planteamientos antes expuestos y que llegó a sonar en la radio y en algunas discotecas. «Sonderangebot» es otra cosa. Construida sobre pasajes de percusión (platillos, en su mayoría), tratados eléctrico-acústicamente, van aopareciendo estridencias, rechinos, alteraciones, produciendo en la mente unas reaciones irreales, abstractas, fastasmagóricas. Enlazando con el tema anterior nos llega «Weissensse», más relajado, fácil de escuchar, apoyando todo el peso del sonido en las guitarras eléctricas que realizan unos juegos muy imaginativos. En la segunda cara del disco de vinilo «Jahresuberblick» faroma el núcleo base de un suite que ocupa toda la cara y está dividida en tres secciones. La primera es «Im gluck» sobre fondo sostenido de guitarra distrosionada y efectos Wah-wah van apareciendo sonidos marinos, de objetos formando un ente abstracto. La segunda «Negativland» nos devuelve al ritmo obsesivo de Hallogallo, y la tercera «Lieber Honig» puede poner los nervios de punta con su instrumentación basada en el banjo japonés. En todo el disco se nota una precariedad de medios confirmada en los créditos. El estudio era de 4 pistas. La banda la componían Michel Rother (guitarras y bajo) y Klaus Dinger (percusión, guitarras, bajo, banjo japonés y vocal). Se grabó en Diciembre de 1971.

El segundo disco, «2», principia con «Fur immer», que reíne todos los parámetros musicales para compararlo con Hallogallo. Le sigue «Spitzen qualitat», parecido a Sonderan gebot. «Lila Engel» es parecido a Fur immer, pero más frenético y desgarrador. La verdadera novedad de este trabajo son las siguientes piezas que aparecieron en la cara B del antiguo disco de vinilo. Dos temas «Neuschnee» y «Super», que fueron editados en single, y que aquí aparecen a 78 revoluciones o a 16 revoluciones. hay que imaginarse de qué manera en al mercado actual tiene cabida semejante extreversión. Todo esto con la misma precariedad de medios (Estudio de 4 pistas) y con la misma formación, aunque se incluyen teclados. La grabación es de Enero de 1973.

El tercer disco se llamó…»3», pero hay quien lo llama NEU 75, por el año en el que se grabó. Es el más trabajado y musical que los anteriores. Se tardó dos años en volver a juntar la banda, en los cuales Rother había formado HARMONIA junto a Roedelius y Moebius -no es el dibujante- ambos CLUSTER. Esto influyó en el resultado final de la obra. Ya no encontramos esos vanguardismos exacerbados, tan solo buenos temas, busacando a veces la melodía, pero rica en matices cromáticos «Sea land», o el trance hipnótico de uns CAN en «Hero» y «After eight». Les acompañan en la grabación Thomas Dinger y Hans Lampe (batería).

Posteriormente el grupo se separó y Michel Rother volvió a formar parte de HARMONIA y a su disolución continuó su carrera en solitario con varios discos en su haber. Klaus Dinger forma LA DÜSSELDORF en línea musical similar a NEU, pero únicamente editaron un LP.
En los noventa, aprovechando la reivindicaión del rock alemán, Dinger formó La¡Neu?, que publicó bastantes discos en un sello japonés, a veces sin demasiado control de calidad. Eso enfrentó a Dinger con el puntilloso Rother, retrasando la reedición del material clásico de la banda. Eran propietarios, junto a Conny Plank, de sus grabaciones. Su álbumes estuvieron fuera de impresión por mucho tiempo, hasta que fueron reeditados en CD en el año 2001 por los sellos Astralwerks, EMI Electrola y Grönland (dependiendo del país).

La música de Neu! es considerada una influencia importante en géneros como el post-rock, la música electrónica, la música industrial, el noise y el rock experimental.
Recientemente, hemos tenido noticia de la desaparición por un infarto de miocardio de Klaus Dinger -abril 2008.













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Hope Sandoval And The Warm Inventions - Through The Devil Softly

1. Blanchard
2. Wild Roses
3. For The Rest Of Your Life
4. Lady Jessica and Sam
5. Sets The Blaze
6. Thinking Like That
7. There's A Willow
8. Trouble
9. Fall Aside
10. Blue Bird
11. Satellite

La vocalista de Mazzy Star, Hope Sandoval, tiene un nuevo grupo: Hope Sandoval & The Warm Inventions. En esta nueva aventura, la mujer de la voz dulce se ha hecho acompañar de nada menos que Colm O Ciosoig, que para muchos seguro que es un desconocido, pero si decimos que el señor O Ciosoig es (o ha sido) integrante de los mismísimos My Bloody Valentine sobran las palabras.

Tras la publicación de un par de EPs, Hope Sandoval & The Warm Inventions acaban de ofrecernos su primer disco: “Bavarian Fruit Bread”, once canciones donde la fragilidad y sobre todo la austeridad tienen el protagonismo absoluto.

Destacan “Around My Smile” con unos arreglos electrónicos apenas indescriptibles, “Suzane” y su frágilidad o la sencillez de “Feeling Of Gaze” . No podemos olvidar tampoco la canción que abre el disco, “Drop”, que no es ni más ni menos que la recreación de un tema de los ilustres The Jesus & Mary Chain (recordemos que Hope Sandoval es pareja de uno de los Reid y ha colaborado con ellos en un par de ocasiones).

“Bavarian Fruit Bread” recrea ambientes folkies plagados de sencillez, harmónicas que susurran, xilófonos, guitarras delicadas…uno de esos discos para escuchar en soledad.

Through The Devil Softly es el disco con el que vuelve a esta con esta formacion despues de ocho años





















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Soap And Skin - Lovetune For Vacuum

01. Sleep 2:42
02. Cry Wolf 3:47
03. Thanatos 2:34
04. Extinguish Me 2:36
05. Turbine Womb 3:44
06. Cynthia 2:57
07. Fall Foliage 2:43
08. Spiracle 2:48
09. Mr. Gaunt PT 1000 2:26
10. Marche Funebre 2:58
11. The Sun 3:13
12. DDMMYYYY 3:37
13. Brother Of Sleep 5:25

Soap&Skin es Anja Plaschg, cantante y compositora austriaca de sólo dieciocho años. Está sorprendiendo oyentes por todo el mundo con primer fulllength, «Lovetune For Vacuum» (Pias), 13 canciones mezclando piano melódico, sutil distorsión electrónica y las oscilaciones entre susurro y grito de su voz. Muestra una sensibilidad plenamente madura, evocadora e inquietante, que ya está atrayendo muchas compariciones con las grandes canta-diosas melancólicas como Cat Power, Björk, y Kate Bush.

Cuando llegó a la adolescencia, empezó a ensayar hasta doce horas diarios, tocando violín y piano. Con 16 años se marchó a Viena para estudiar con artista Daniel Richter en la Academia de Bellas Artes de Viena. Grabó y subió su primeras temas a Myspace en 2005, y el sello alemán Shitkatapult editó su canción «Mr. Gaunt PT 1000» como parte de una compilación.

Como punto de referencia adicional, ha de considerar el «steampunk,» un movimiento artístico que toma como sus ingredientes el romanticismo, el fetichismo de la estética victoriana, y los re-reflejos de un futuro retratado en la obra de tales autores como H.P. Lovecraft hecho ya el futuro, es decir, como una fusión impecable de lo más lo-fi y «clásico» con un punto industrial y tecnológico, haciendo un steampunk de la música. Post-Goth de otro planeta, uno mejor y más avanzado que este.














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Harlem - Hippies (2010)

01 Someday Soon
02 Friendly Ghost
03 Spray Paint
04 Number One
05 Be Your Baby
06 Gay Human Bones
07 Torture Me
08 Cloud Pleaser
09 Faces
10 Tila And I
11 Three Legged Dog
12 Prairie My Heart
13 Scare You
14 Stripper Sunset
15 Pissed
16 Poolside

segundo álbum de esta banda garajera de Austin. Hippies es un estupendo disco con dieciséis canciones de no más tres minutos que van directas al grano, y en el que al contrario que otros grupos del estilo, no tienen ningún problema en sacar a relucir estupendas melodías en canciones tan brillantes como Someday Sonn, Friendly Ghost o Poolside
















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Nina Nastasia - Dogs

1. Dear Rose - 1:33
2. Oblivion - 2:15
3. Judy's in the Sandbox - 3:15
4. Underground - 3:15
5. A Dog's Life - 2:46
6. A Love Song - 3:01
7. Stormy Weather - 3:00
8. Smiley - 2:57
9. Roadkill - 1:55
10. Nobody Knew Her - 4:25
11. Too Much in Between - 2:33
12. Jimmy's Rose Tattoo - 3:30
13. The Long Walk - 3:02
14. All Your Life - 3:45
15. 4 Yrs - 2:48

Nina Nastasia es una cantautora al estilo neoyorkino, nacida en Hollywood, California. Su estilo es una ecléctica mezcla de delicado folk e intrincada música de cámara llevada a cabo por su banda y su compañero Kennan Gudjonsson.

Nina empezó a escribir canciones en 1993 y lanzó su primer álbum, Dogs, en el año 2000. Únicamente se lanzaron 1.500 copias que ella misma empaquetó en su apartamento y que vendió rápidamente en sus actuaciones. Al finales del año 2000, el álbum ya estaba agotado. El famoso DJ John Peel reparó en el disco (calificándolo de «asombroso»), tras haber recibido una copia de Steve Albini. Peel comenzó a poner canciones del álbum constantemente en su programa de radio de la BBC 1, y tanto el álbum como Nina consiguieron un éxito de culto.

Nina Nastasia ha publicado cinco álbumes, del los cuales Dogs, fue inicialmente publicado en el 2000 por Socialist Recrods. Sus siguientes álbumes, The Blackened Air (2002) y Run to Ruin (2003), fueron publicados por la discográfica independiente Touch and Go Records, que también reeditó Dogs en el 2004. En el 2006, On Leaving fue publicado por Fat Cat Records. En el 2007, un álbum en el que colaboró con Jim White (titulado You Follow Me) fue lanzado también por Fat Cat. Los cinco álbumes de Nina Nastasia fueron grabados por Steve Albini, quien ha elogiado ardientemente su música en un gran numero de entrevistas.

Nastasia ha grabado seis sesiones para la BBC y el programa de John Peel. El último fue grabado con la ayuda del grupo de canto de garganta Tuvan Huun-Huur-Tu. Dos de las canciones de Nina fueron incluidas en el Festive Fifty de Peel: «Ugly Face» (cuarto clasificado en 2002) y «You, Her & Me» (decimotercero clasificado in 2003).

Su single titulado What She Doesn’t Know fue publicado el 25 de febrero de 2008. El single incluía el título de la pista junto con la canción «Your Red Nose». Ambas canciones fueron grabadas por Steve Albini durante las grabaciones de On Leaving. Nina Nastasia ha calificado al sencillo «un buen complemento de You Follow Me «. El lanzamiento coincidió con un tour que hizo por América y Europa.

Su nuevo álbum, llamado «Mine the Bird», ha sido recientemente terminado y ha sido previsto su lanzamiento para el invierno del 2009. Algunas de sus canciones son: «It’s A World Of Dirt I Know,» «Memories Of Angela Vine,» «You Might Always Feel Alone,» «How I Like A Fight,» «I Can’t Mend This,» o «Take Your Time.»

Además de un disco de estudio, Nina ha anunciado planes de lanzar un nuevo álbum en vivo. Acompañada por sus intérpretes de cuerda, Nina hará dos actuaciones en el Hideout de Chicago el 26 y 27 de julio de 2009, que será filmado y grabado, aunque se desconoce si será lanzado en DVD.















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Phoenix - Wolfang Amadeus Phoenix (2009)

01. Lisztomania 04:02
02. 1901 03:13
03. Fences 03:44
04. Love Like A Sunset Part I 05:39
05. Love Like A Sunset Part II 01:57
06. Lasso 02:48
07. Rome 04:38
08. Big Sun 03:56
09. Girlfriend 03:24
10. Armistice 03:05

Si te emocionó "Too young", saltaste con ella, viste a Bill Murray en Lost in Tranlation escucharla y te preguntaste '¿joder, de quién esta canción?' te gustará Wolfgang Amadeus Phoenix (V2 Records/Loyauté, 2009), de Phoenix. El calor del verano y el sol alegran el alma, y las canciones de la última obra de lo franceses también lo hacen. La mayoría entran a la primera, sin tener que pagar peajes ni pasar un tiempo previo de adaptación, ni tampoco pensar demasiado en ese giro o ese cambio de ritmo. Phoenix saben lo que hacen y cuando lo hacen. Todo concuerda. Todo suena bien. Todo cuadra. Música animada, joven, animada, que atrapa.

Las buenas vibraciones empiezan con "Lisztomania". Su trepidante sonido recuerdan a la ya nombrada "Too young" (es que me encanta esa canción), a sus frescas guitarras, animados redobles de batería y un bajo que llena el fondo de la canción. Inevitable llevar el ritmo con los pies o mover rítmicamente la cabeza de arriba hacia abajo. Eso es solo el comienzo porque le sigue otro hit: "1901". Entre el ritmo, sintetizadores, guitarras y la voz de Thomas Mars me imagino un montón de gente saltando en un concierto al aire libre al atardecer, con los brazos en el aire, bebiendo cerveza y cantando esta canción.

Sin embargo, no todos son saltos ni ritmos alegres. En esta ocasión, y en una mirada al sonido de sus compatriotas de Air, Phoenix experimenta con melodías más densas y ambientales como la instrumental de más de cinco minutos "Love like a sunset part I", que le sigue la segunda parte de la canción para tomar un respiro. Las guitarras vuelven con "Lasso" o "Rome". Hasta su última canción sigue en línea recta hasta el final con ritmos y canciones similares. Agradable. Sin sorpresas ni sobresaltos.

En cualquier caso, éste no es el renacer de Phoenix sino la continuación de su gran obra It´s Never Been Like That (2006), pero también guarda algún detalle de sus dos primeros discos United (2000) y Alphabetical (2004). Wolfgang Amadeus Phoenix es un buen disco para descubrir Phoenix, ya que en él está la filosofía de todos sus discos anteriores. Buen verano.

Fuente: Musikalia










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Songs Ohia - Magnolia Electric. Co

1. Farewell Transmission
2. I've Been Riding With the Ghost
3. Just Be Simple
4. Almost Was Good Enough
5. Old Black Hen
6. Peoria Lunch Box Blues
7. John Henry Split My Heart
8. Hold on Magnolia

Soprendente y magnífica es la capacidad de Jason Molina para mostrarnos paisajes agridulces y desolados con cada nueva entrega de Songs: Ohia, y esta vez, con chispa eléctrica, no iba a ser una excepción.

El séptimo álbum de Songs: Ohia, tras el también magnífico aunque mucho más sobrio Didn't it rain (Secretly canadian, 2002), viene con el respaldo de Steve Albini en la producción (como siempre, todo un seguro), y con Molina acompañado por una gran banda y varias colaboraciones vocales que enriquecen las texturas americanas y los matices vocales, dotando a este The Magnolia Electric Co. de una profundidad y una fuerza brillantes.

Grabadas en directo, las ocho canciones que integran este disco proponen un viaje por la tradición rockera americana, y nombres como Neil Young and The Crazy Horse o el Dylan menos comtemplativo vienen a la memoria de inmediato, encontrando los versos de Jason Molina perfecto acomodo entre las lánguidas guitarras eléctricas y los preciosos arreglos de teclado y cuerdas, además de la omnipresente pedal steel, lo que le acaba de dar ese sabor tan profundamente americano y tan intenso. "Farewell transmission" abre el álbum de manera poderosa, con esa voz tan particular que se deja arrastrar para dar paso a "I've been ridding with the ghost", en la que la banda ya se desvela perfectamente acoplada y redondean lo más parecido a un single que pueden facturar Songs: Ohia.

Mención especial para "The old black hen" en la voz de que Lawrence Peters nos regala el contrapunto perfecto a la templanza de Molina y "Preoria lunch box blues", donde Scout Niblett toma con decisión y arrestos el mando a las voces.

"John Henry split my heart" es una muestra más de la robustez y fuerza con la que Songs: Ohia encaran estos nuevos temas, haciendo más intensas -más aun si cabe- las sentidas letras de Jason Molina, y ya cerrando vuelve -en parte- la calma y el sosiego de la mano del piano y la pedal steel con "Hold on magnolia", que pone punto final a uno de los trabajos más apasionados y emotivos de lo que va de año.

Añadir por último, que existe una edición de este disco en formato doble, en el que Songs: Ohia regalan las demos de los temas que integran The Magnolia Electric Co., dos formas distintas de enteder la misma canción, aunque una vez escuchadas las versiones definitivas, las demos se quedan en meras anécdotas, si es que algo que haya pasado por las manos de Jason Molina se puede denominar así.

Fuente: Musikalia











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Joan As Police Woman - Cover (2009)

1. Fire(. hendrix)
2. Overprotected(briney spears)
3. Ringleader Man(t.pain)
4. Baby(iggy pop)
5. Whatever You Like(T.I)
6. Lady(adams ant)
7. She Watch Channel Zero(public enemy)
8. Sacred Trickster(sonic youth)
9. Sweet Thing(bowie)
10. Keeper Of The Flame(nina simone)

Érase una chica llamada Joan Wasser, nacida un 26 de julio de 1970 en Biddeford Maine. Creció junto con su hermano menor Dan en Norwalk, Connecticut. A la edad de seis años comenzó a estudiar piano y su primera lección de violin fuea la edad de 8. Comenzó su carrera mientras estudiaba en la Universidad de Boston, donde tocó en la orquesta sinfónica de la Universidad de Boston hasta que comenzó a abrir camino al unirse a bandas locales.

Dotada de un inmenso talento musical y capaz de compaginar colaboraciones esporádicas (Scissor Sisters, Nick Cave, Dave Gahan, Lou Reed…), con su trabajo en bandas como Black Beetle (junto a algunos antiguos compañeros de Jeff Buckley) o los Johnsons del andrógino Antony.

Poco tiempo después, Joan se topaba con un buen amigo, Rufus Wainwright, quien la animó a lanzarse a la piscina abriendo sus conciertos como telonera. Fue así como Joan, la multi-instrumentista de preciosa voz soul, se convirtió en Joan as Police Woman, sobrenombre que hace honor al título de una serie interpretada en los 70 por Angie Dickinson, en la que daba vida a una muy dura y muy cool policía americana.

Ella se confiesa devota de la “american soul music” (Al Green, Nina Simone, Isaac Hayes…) y todo el movimiento musical que surgió a raíz del punk (The Smiths, Siouxsie…). Eso es básicamente Real Life, su disco debut: soul blanco de última generación, una voz elegante y muy sexy , que ya ha sido comparada con la de «matriarcas» como Dusty Springfield o Aretha Franklin; actitud punk en las letras (Este disco trata sobre aprender a ser real); preciosos juegos de voces (entre los que encontramos invitados como Antony en el tema I Defy) y pop de cámara rehogado con violines y pianos.
















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Sambassadeur - European (2010)

1.Straned
2.Days
3.I Can Try
4.Forward is All
5.Albatross
6.Hight and Low
7.A Remote View
8.Sandy Dunes
9.Small Parade





Tercer disco del grupo oriundo de Gotemburg, donde nos vuelven a deleitar con su exquisita receta de pequeñas canciones pop con precisos y delicados arreglos orquestales.














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Josh Rouse - El Turista (2010)

01. Bienvenido
02. Duerme
03. Lemon Tree
04. Sweet Elaine
05. Mesie Julian
06. I Will Live On Islands
07. Valencia
08. Cotton Eye Joe
09. Las Voces
10. Don’t Act Tough



Nuvo disco del cantante de folk Americano Josh Rouse, en el que se puede ver que su vida en la bella españa lo ha influenciado para bienes, aportando canciones en castellano bastante simpaticas y una mezcla de sonidos bastante amplia desde cosas de musica brasileña, hasta pinceladas de jazz para un disco mas que interesante.













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Okkervil River - Dont Fall In Love With Everyone You See

1. Red
2. Kansas City
3. Lady Liberty
4. My Bad Days
5. Westfall
6. Happy Hearts
7. Dead Dog Song
8. Listening to Otis Redding at Home During Christmas
9. Okkervil River Song

La banda liderada por Will Sheff, compositor que lleva varios años recibiendo muy buenas críticas por esas composiciones en las que brillan por igual el country alternativo y el indie-rock guitarrero, pretende conseguir lo que desde hace tiempo lleva buscando: un puesto de honor en la escena independiente internacional.

Se les ha comparado con Bright Eyes y su música evoca muy diferentes sensaciones, dependiendo de la garra que impregne cada una de las canciones de este The Stage Names, su mejor trabajo hasta el momento. La obra se presenta sólida desde los primeros acordes de “Our Life Is Not A Movie Or Maybe”, un tema con mucha fuerza vocal y tambores lejanos que evocan un sentimiento de lucha pacífica. Con “Unless It Kicks” siguen dando prioridad al mensaje, pero una brillante atmósfera folk lo envuelve todo hasta conseguir enlazar con “A Hand To Take A Hold Of The Scene”, más bailable y melódico.

Como toda banda indie que se precie, la energía, tarde o temprano, deberá ceder espacio a la agonía instrumental con voces susurrantes. Okkervil River no van a ser menos, y se atreven con “Savannah Smiles” y “A Girl In Port”, donde unas voces silenciosas y un tímido piano se hacen los protagonistas. En esta misma onda se mueve “Plus Ones”, pero a diferencia de las anteriores, aporta una armonía implacable que consigue bordar un hit en toda regla.

Por último, destacar “You Can´t Hold The Hand Of A Rock And Roll Man”, que tiende al pop-rock más accesible pero mantiene esos rasgos tan personales que muestran orgullosos estos cinco tejanos de adopción.













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El Robot Bajo El Agua - Solo Resta Sumar

01- Los parlantes.
02- Asistencia.
03- La ola.
04- Comidita.
05- Algo.
06- El Sr.
07- Cámara.
08- Iorio.
09- Madriguera.
10- Bomba.

El robot bajo el agua, tienen bases de batería electrónica, preponderancia de guitarras acústicas, capas eléctricas disgregadas y un pianito sobre el cual Nicolás Kramer canta susurrando como para que no se queje la viejita de abajo. Lucarda y Kramer (ambos ex Jaime sin Tierra) muestran un pequeño mundo de cuatro paredes pero dan luz verde para revisar los rincones de su intimidad.














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Sparklehorse - Vivadixiesubmarinetransmissionplot (1995)

1 Homecoming Queen
2 Weird Sisters
3 850 Double Pumper Holley
4 Rainmaker
5 Spririt Ditch
6 Tears on Fresh Fruit
7 Saturday
8 Cow
9 Little Bastard Choo Choo
10 Hammering the Cramps
11 Most Beautiful Widow in Town
12 Heart of Darkness
13 Ballad of a Cold Lost Marble
14 Someday I Will Treat You Good
15 Sad & Beautiful World
16 Gasoline Horseys

Sparklehorse es un grupo liderado principalmente por Mark Linkous, vocalista y multi instrumentista del mismo.
Su primer disco, «Vivadixiesubmarinetransmissionplot» (1995), fue un modesto éxito de la radio universitaria. En 1996, durante una gira por Europa con Radiohead, Linkous sufre una sobredosis con una combinación de antidepresivos, Valium, alcohol y heroína en una habitación de hotel en Londres. Inconsciente y con las piernas aplastadas por él mismo durante casi catorce horas, la consiguiente acumulación de potasio le llevaron a un paro cardíaco durante varios minutos después de que su cuerpo fue encontrado. En el quirófano estuvo cerca de perder las dos piernas y este incidente lo dejó en silla de ruedas por seis meses.
«Good Morning Spider» (1998) se gestó a raíz de este incidente. Los críticos han conjeturado que la experiencia de Linkous cerca de la muerte inspiró el tono sombrío del álbum, aunque Linkous ha declarado que gran parte del material sobre GMS fue escrito antes. La canción «Santa María» está dedicada a las enfermeras en el hospital de Paddington donde Linkous se estuvo recuperando.
2001 aparece el álbum «It´s a wonderful life» con apariciones de Tom Waits, PJ Harvey, Nina Persson y Dave Fridmann. Considerando que gran parte de «Vivadixie …» y» Good Morning Spider» y se grabaron casi únicamente por Linkous en su «Static King» estudio de su granja de Virginia, fue un gran esfuerzo grabar «It´s a wonderful life», en gran parte grabado por Fridmann después de que su sello pidió a Linkous conservar un margen de productor para el proyecto.
El 25 de septiembre de 2006, Sparklehorse lanzaron su cuarto álbum, «Dreamt for Light Years in the Belly of a Mountain», en colaboración con DJ Danger Mouse, Christian Fennesz, y Steven Drozd. Este álbum contó con el pase en radiode la canción «Don’t Take My Sunshine Away» y una versión remasterizada de «Shade And Honey», que escribió originalmente Linkous para que cantara Alessandro Nivola en la película de 2003 «Laurel Canyon»

Joe Tangari describe las canciones de Linkous como «… de formas surrealistas, con todo tipo de referencias a los bebés sonrientes, la música de órgano, las aves, y los cuerpos celestes … De hecho, algunas de las letras son tan surrealistas que es difícil imaginar que haya incluso metáforas para nada. «. Muchas de estas referencias son literarias o de una variedad de fuentes de la música rock.




















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Vashti Bunyan - Lookaftering (2005)

01. Lately
02. Here Before
03. Wayward
04. Hidden
05. Against The Sky
06. Turning Backs
07. If I Were
08. Same But Different
09. Brother
10. Feet of Clay
11. Wayward Hum

En el mundo de la música hay casos realmente especiales. Uno de ellos es el de la cantante británica Vashti Bunyan, quien luego de grabar uno de los más exquisitos discos del folk británico en 1969 permaneció en silencio por 35 años. Gracias a su cristalina voz, Vashti – como inicialmente se dio a conocer- fue descubierta en 1965 por el antiguo manager de The Rolling Stones, Andrew Loog Oldham, siendo aún una estudiante de arte. Su primer single para el sello Decca fue “Some Things Just Stick in Your Mind”, una composición de Jagger y Richards, que obtuvo poca atención. Otro fallido sencillo, “Train Song”, la indujo a comprarse una carreta, un caballo y un perro, con los que viajó por Gran Bretaña en busca de la comuna hippie que dirigía Donovan, para la época uno de los iconos más respetados del folk-pop inglés. El encuentro impulsó sus deseos de grabar todo lo que había compuesto en el periplo. El productor Joe Boyd, famoso por sus contribuciones al renacimiento folk a fines de los 60 junto a Incredible String Band, Fairport Convention y Nick Drake, supervisó y coordinó el proceso de realización de Just Another Diamond Day (70), con la ayuda musical de Robin Williamson de I.S.B., Dave Swarbrick y Simon Nicol de F.C. y el arreglista Robert Kirby. El resultado, un puñado de canciones arropadas por la angelical voz de Vashti, fue un disco pastoral de hermosa fragilidad y agradable melancolía, acompañado por un cuarteto de cuerdas y ningún atisbo de percusión. Pero, al poco tiempo decidió irse a Irlanda para formar una familia y estar cerca de la naturaleza. Así pasaron 35 años. La reedición en CD de esta joya no ocurrió hasta el año 2000 y sirvió para despertar de nuevo el interés por Bunyan. La nueva generación de compositores y cantantes folk, comandada por el talentoso Devendra Banhart (cuya madre es venezolana) y el duo neoyorquino Animal Collective, ha sido factor fundamental para devolvernos la voz y el talento inigualable de Vashti Bunyan, como si no hubieran pasado más de 3 décadas. El milagro ocurrió con Longaftering (05), un título que describe precisamente lo que ha ocurrido con su vida después de aquel idílico primer disco: hijos, amigos, amantes, naturaleza y varios cambios en su vida. Rodeada de colaboradores provenientes de la nueva camada folk como Banhart, Adem, Adam Price, Kevin Barker, Joanna Newson, Otto Hauser, el arreglista y productor Max Richter y viejos conocidos como Robert Kirby, Vashti ha concebido una obra delicada y austera. Esta vez la instrumentación, además de guitarra acústica, incluye piano, dulcimer, arpa, oboe y glockenspiel (una especie de pequeña marimba), sin que ninguno de ellos asuma un rol intrusivo sobre su prístina voz. Sin trampas tecnológicas, este nuevo disco representa el honesto manifiesto de una artista alejada de las modas y las poses. Longaftering es un disco atemporal lleno de pureza y auténtica belleza que, al igual que Just Another Diamond Day, pudiera haber sido escrito hace 3 siglos. El retorno de Vashti Bunyan es un bálsamo para el espíritu.


















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Pantha Du Prince - Black Noise (2010)

"Lay In a Shimmer" - 6:38
"Abglanz" - 6:04
"The Splendour" - 6:00
"Stick To My Side" - 7:51
"A Nomads Retreat" - 6:41
"Satellite Snyper" - 5:29
"Behind the Stars" - 6:51
"Bohemian Forest" - 7:24
"Welt Am Draht" - 7:11
"Im Bann" - 3:23
"Es Schneit" - 6:46

De nombre real Hendrik Weber, este amante de la pesca y la filosofía se ha dado conocer como Glühen 4 y Pantha Du Prince. Gracias a este último ha conseguido la fama ya que aunque con ambos ha grabado para Dial Records, ha sido con Pantha Du Prince el que más a ultizado (dos Lps y varias referencias hasta la fecha). Influenciado por el techno de detroit, el acid house, el pop más sucio (My Bloody Valentine, Slowdive… ) y hasta el minimal o el folk, Pantha Du Prince apareció en escena con el EP Nowhere en Dial Records. Y ha sido en el sello de Hamburgo donde ha publicado todas sus producciones hasta la fecha. Tanto sus dos LPs Diamond Daze (2004) y This Bliss (2007) así como otro par de 12». Además en el 2003 publicó otro LP de título Das Schweigen der Sirenen pero con su otro seudónimo: Glühen 4. Black Noise es su ultima produccion, lanzada este año.




















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The Soundtrack Of Our Lives - Communion (2009)

Disc 1

1. Babel On
2. Universal Stalker
3. The Ego Delusion
4. Pineal Gland Hotel
5. RA 88
6. Second Life Replay
7. Thrill Me
8. Fly
9. Pictures Of Youth
10. Mensa's Marauders
11. Just A Brother
12. Distorted Child

Disc 2
1. Everything Beautiful Must Die
2. The Fan Who Wasn't There
3. Flipside
4. Lost Prophets In Vain
5. Songs Of The Ocean
6. Digitarian Riverbank
7. Reconnecting The Dots
8. Without Warning
9. Utopia
10. Saturation Wanderers
11. Lifeline
12. The Passover

La idea de lanzar un disco doble puede ser tanto un acto pretencioso como un suicidio comercial y mucho de ese espíritu arriesgado está presente en Communion, el quinto álbum que los suecos Soundtrack of Our Lives facturaron para “alegrar, confundir e iluminar a la próxima generación de seres humanos” (según lo escrito en su propia página web).

Sin embargo, dicha ampulosidad queda en un segundo plano al escuchar íntegramente ambos registros, marcados por hermosas melodías pop en la tradición de Arthur Lee & Love y su gran variedad de texturas, las que en piezas como “Universal stalker” y “RA 88″ impregnan el sonido de detalles difíciles de apreciar con audífonos. La forma ideal de escuchar Communion es con grandes parlantes, para disfrutar sin mareos.

Ebbot Lundberg y cía. recogen los sonidos esenciales del rock clásico de los ‘60, recordando a The Kinks e incluso al Pink Floyd de la era Syd Barrett, pero no con el fin de subrayar sus referencias, sino para hacer brillar la fuerza propia del sexteto. En esa línea aparecen estupendas piezas como el cover de Nick Drake, “Fly”, que logra transformarse en un poderoso llamado a la reflexión.

El hilo conductor que une a las 24 canciones de Communion no tiene que ver con un ritmo en las canciones o con su sonoridad, sino con su imaginario lírico sintetizado en la portada, la que impacta a primeras con la imagen de una relamida y feliz pareja publicitaria. Una ironía que se completa al escuchar a TSOOL hablar sobre las ilusiones que el hombre se crea en la cultura de masas, y las esperanzas que se pueden encontrar. Un acierto de nuestros tiempos.

Fuente: Super 45




















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Parte 1



Parte2

The High Wire - The Sleep Tape (2010)

01. The Midnight Bell 3:14
02. Hang From The Lights 3:30
03. New Lovers 1:40
04. Sleep Tape 3:23
05. Honeycomb 2:46
06. Odds & Evens 3:10
07. Its No Secret 3:24
08. Letting In The Light 2:14
09. A Future Ending 5:48
10. Exit 2:08
11. Pump Your Little Heart 3:26
12. Bodyclocks 2:49

banda de Londres, en Inglaterra obviamente, la banda esta formada por Tim Crompton (voz, guitarra), Stuart Peck (guitarra, voz), Alexia Hagen (teclados, voz). y en general tienen la critica a sus pies, como por ejemplo esta critica de “The Guardian” que traducida mas o menos decía, “su sonido de Shoegaze le a ganado a Chris Martin, que sabe 1 cosa o 2 sobre mandar a la gente a dormir”, su sonido precisamente, es Dream pop en general, con muchas guitarras acústicas y pianos, que a logrado que comparen a la banda con otras como Spiritualised, Galaxie 500, Slowdive y también de Coldplay y hasta los Daneses The kissaway Trail, tanto, que el cantante de Coldplay justamente quedo enamorado de su música y en este ultimo mes invito a la banda a que los acompañe en su gira, hasta el dia de hoy tienen bajo sus brazos un par de singles, un minialbum llamado “Ahead Of The Rain” lanzado en el año 2008, y luego en febrero del año 2010 lanzan su esperado Lp debut al cual pusieron de nombre “The Sleep Tape”















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Calexico - Carried To Dust

1. - Victor Jara's hands (3:19)
2. - Two silver trees (3:49)
3. - The news about William (2:47)
4. - Sarabande in pencil form (0:40)
5. - Writer's minor holiday (3:09)
6. - Man made lake (3:00)
7. - Inspiracion (3:34)
8. - House of Valparaiso (2:46)
9. - Slowness (3:35)
10. - Bend to the road (3:17)
11. - El gatillo (Trigger revisited) (3:08)
12. - Fractured air (Tornado watch) (3:15)
13. - Falling from sleeves (1:20)
14. - Red blooms (3:24)
15. - Contention city (4:16)

Carried To Dust es el ultimo disco del grupo de Arizona, . Joey Burns y John Convertino lo grabaron en su ciudad natal, Tucson, a las órdenes de Nick Luca (Neko Case, Iron & Wine). A su lado aparece una cohorte interminable de nombres en los que no faltan los habituales Paul Niheaus (steel guitar) y el bajista Volker Zander, además del trompetista y vibrafonista Jacob Valenzuela y el multiinstrumentista Martin Week, todos fijos en la formación desde Feast Of Wire.

Con estos elementos humanos, Calexico han firmado uno de sus mejores discos, bastante mejor que Garden Ruin, un álbum que me dejó un poco frío y en el que el dúo se alejó en cierta medida de los sonidos fronterizos de antaño en favor de un rock alternativo de raíces sureñas.

A Carried To Dust le he dado un montón de escuchas y cada vez me ha gustado más. Ahí están los Calexico que me gustan. Los Calexico en su mejor momento, una vez superada la flojera que les entró tras editar su DVD World Drifts In (Live At The Barbican). Es un disco de americana, si podemos llamarlo así, donde cohabitan country alternativo muy pop por la voz de Joey Burns, tex-mex, post rock y folclore mexicano.

Burns dice que el álbum es en cierta forma la historia de un escritor en Los Ángeles durante la guerra de guionistas que hubo a finales del año pasado. Y para la grabación de este diario de viajero han contado con un montón de invitados, gente con la que querían trabajar y por fin la han conseguido reunir.

El disco se abre con ‘Victor Jara’s hands’, un optimista homenaje, cuyo comienzo me suena a Ry Cooder, al asesinado director teatral y cantante chileno, donde escuchamos a Jairo Zavala (DePedro, cantante y guitarrista de La Vacazul) cantando en castellano, luego lo volverá a hacer en ‘Inspiración’.



El disco sigue con ‘Two silver trees’, un tema de factura bellísima que comienza con un arpa y parece que estamos en un tema de CocoRosie, pero enseguida torna en un corte de tono épico, con Burns susurrando y la pedal steel guitar de Niheaus y el acordeón de Martin Week creando una atmósfera totalmente desértica y un estribillo pegadizo. Un single de adelanto en toda regla.

Después de esta joya de canción uno se espera que muchas más sopresas y la verdad es que las hay y en abundancia. ‘The news about William’ es una preciosa balada con metales y cuerdas, una especie de nana del sur con el aroma del dúo que me puso los pelos de punta al oirla por primera vez.


Sam Beam, de Iron & Wine, con quien Calexico firmaron In The Reins, es el invitado en ‘House of Valparaiso’, otra pieza acústica de cierto aroma playero. Douglas McCombs, de Tortoise, es el que firma los sonidos post rock de ‘Contention city’ , el tema casi ambiental que cierra el álbum a ralentí. Mientras, la cantante canadiense Pieta Brown contesta a Joey Burns en la americanísima ‘Slowness’. Y además, Amparo Sánchez, líder de Amparanoia, cuyo debut en solitario tras la disolución de su grupo lo grabó con Calexico, es la invitada en Inspiración, y repite una vez más en un disco del dúo.

‘El gatillo (Trigger revisited)’es un instrumental fronterizo con la inequívoca marca de la casa de Calexico, otro más a añadir a una discografía con buenos momentos como éste. En ‘Red blooms’ Burns parece un cantautor en toda regla, cantando un críptico texto con frases como “sombras bebiendo anticongelante bajo el paso subterráneo”. Estas son mis primeras impresiones sobre Carried To Dust pero también son las últimas, porque se diga lo que se diga es una obra maestra y estará entre mis mejores discos del 2008.

Fuente: Hiper Sonica
















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Husky Rescue - Ship Of Light (2010)

01 - First Call
02 - Sound Of Love
03 - Fast Lane
04 - Wolf Trap Motel
05 - Man Of Stone
06 - When Time Was On Their Side
07 - Grey Pastures, Still Waters
08 - We Shall Burn Bright
09 - They Are Coming
10 - Beautiful My Monster

La banda fue conformada por Marko Nybergen en 2002, influenciado por la música de las bandas sonoras del cine, la fotografía y la pintura.

Al grabar su primer álbum «Country Falls Nyberg» grabó a cerca de 20 músicos y cantantes para incluirlos en esta producción - todos ellos buenos amigos de Marko y procedentes de Helsinki
















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